لماذا ذهبت مجموعات الكراهية بعد جوني كاش في الستينيات

لماذا ذهبت مجموعات الكراهية بعد جوني كاش في الستينيات


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.

كتيبات تهديد. العروض الملغاة. كان ذلك في عام 1965 ، وكان نجم موسيقى الريف جوني كاش يواجه مقاطعة في بعض أجزاء جيم كرو ساوث. لكن السبب لم يكن اعتقاله مؤخرًا بتهمة تهريب مخدرات محتمل - بل كان ظهوره على درج محكمة مع امرأة يعتقد البعض أنها أمريكية من أصل أفريقي.

في عام 1951 ، كان كاش مجرد مشغل راديو تابع للقوات الجوية على وشك إرساله إلى الخارج لاعتراض الإرسال السوفيتي. كان هذا هو الوقت الذي التقى فيه بفيفيان ليبرتو ، وهي فتاة خجولة تبلغ من العمر 17 عامًا من سان أنطونيو ، في حلبة تزلج.

بعد مغازلة تضمنت آلاف الرسائل ، تزوجا في عام 1954. بعد فترة وجيزة ، صعد كاش إلى الشهرة كفنان روكابيلي وفنان ريفي. سرعان ما أكسبته كتابة أغانيه الماهرة وصوته العميق قاعدة جماهيرية ، وكذلك صورته الشبيهة بالخارج. لم يقتصر الأمر على ارتداء الأسود لجميع عروضه تقريبًا ، ولكن كاش دفع الحدود الضخمة لموسيقى الريف بأغانيه المناهضة للاستبداد وموقفه على المسرح.

أثناء صعوده إلى النجومية الريفية ، طور كاش إدمانًا على العقاقير الطبية - وشغفًا بامرأة متزوجة أخرى ، جون كارتر. كان زواجه من فيفيان على الصخور عندما تم القبض عليه في 4 أكتوبر 1965 على الحدود الأمريكية المكسيكية بعد شراء كمية كبيرة من الأمفيتامينات والمهدئات من تاجر مكسيكي. عثر رجال الجمارك على 475 قرصًا من نوع Equanil و 688 كبسولة من Dexedrine مخبأة في علبة الغيتار الخاصة به وألقوا به في السجن. قضى كاش ليلة في السجن ، وبعد شهرين ، اعترف بالذنب لحيازة مخدرات غير مشروعة.

حصل على عقوبة مؤجلة وغرامة قدرها 1000 دولار - ولم يكن لديه أي فكرة أنه ، بينما كان يسير في سلم المحكمة في إل باسو ، تكساس ، مع زوجته فيفيان ، كان على وشك أن يشعل عاصفة نارية.

تم نشر صورة من وكالة أسوشيتد برس لكاش وفيفيان في الصحف في اليوم التالي - وبدا لبعض القراء أن فيفيان ، وهي امرأة إيطالية أمريكية نادراً ما يتم تصويرها ، كانت سوداء.

أعاد حزب حقوق الولايات الوطنية ، وهو جماعة متعصبة على العرق الأبيض في ولاية ألاباما ، نشر الصورة في صحيفته ، الصاعقة بمقال مشوب بالخطاب العنصري. وزعمت أن الأموال الناتجة عن سجلات نجاح كاش "ذهبت إلى حثالة مثل جوني كاش لتزويدهم بالنساء المخدرات والزنوج".

اقرأ المزيد: ذهبت مع جوني كاش إلى سجن فولسوم

تعرض كاش للمضايقة والمقاطعة من قبل بعض المشجعين الجنوبيين. تتذكر فيفيان في مذكراتها لعام 2008: "تلقيت أنا وجوني تهديدات بالقتل ، وأصبح الوضع المخزي بالفعل أسوأ بشكل لا نهائي".

في مقال أكتوبر 1966 ، متنوع ووصف كاش بأنه "الضحية البريئة لحملة كراهية مستهدفة في الجنوب". كتب المؤلف المجهول أن "الخطأ العنصري" أثار المقاطعات والتهديدات. وتابع المقال: "في قانون الجنوب ، لا جريمة أعظم من اختلاط الأجيال". في ذلك الوقت ، تم حظر الزواج بين الأعراق في جميع أنحاء الجنوب.

على الرغم من أن حزب حقوق الولايات الوطنية لم يكن Ku Klux Klan ، إلا أنه كان له علاقات وثيقة مع المنظمة وفي الدعاية حول الحملة ضد Cash ، فإن العديد من المنافذ - و Cash نفسه - حددته على أنها KKK.

يقول كاتب سيرة النقد مايكل ستريسجوث ، مؤلف كتاب: "كان على مدير كاش أن يرد" جوني كاش: السيرة الذاتية. "كان هناك يقول إن كاش لم يكن متزوجًا من امرأة سوداء." أدلى كاش بتصريح مفاده أن زوجته كانت في الواقع بيضاء ، وهدد بدعوى قضائية.

يقول Streissguth: "أتذكر التحدث مع ابنته روزان حول هذا الموضوع". "تلقت رسالة منه تقول" أنا آسف لأنني لم أعود إلى المنزل ، لكنني كنت في الخارج لأقاتل KKK. "قالت إنها أخذت الرسالة ومزقتها إلى نصفين - لقد كان مجرد عذر آخر له غيابات طويلة من المنزل ".

يجد Streissguth أنه من المثير للقلق أن كاش شعر أنه كان عليه أن ينكر بشدة الزواج من امرأة سوداء. ولكن ، كما يقول ، تظهر مهنة كاش أنه كان متسامحًا عنصريًا. ويشير إلى شراكات كاش مع فنانين سود في برنامجه التلفزيوني ABC وأغاني مثل "كل أطفال الله ليسوا أحرارًا" ، والتي تتطرق إلى قضايا المساواة العرقية ، كمؤشرات أفضل لمشاعر كاش الخاصة بشأن العرق. علق كاش أيضًا على معاملة الولايات المتحدة للسكان الأصليين في ألبومه عام 1964 الدموع المريرة، وهو ألبوم مفاهيمي يستكشف تدمير أراضي الأمريكيين الأصليين والفظائع ضد الأمريكيين الأصليين.

يقول Streissguth ، "كان للحادث القدرة على التأثير في جوهره ، جمهوره الجنوبي" ، لكنه في النهاية ظل هامشيًا في قصته الأكبر.

وكذلك فعل حزب حقوق الولايات الوطنية. على أية حال الصاعقة كان لديه 15000 مشترك في ذروته ، وكان الحزب نفسه صغيرًا ولعب فقط دورًا قصيرًا في تاريخ الكراهية الأمريكية. وكتب مكتب التحقيقات الفدرالي في تقرير صدر عام 1966: "إن دعايتها وأنشطتها العامة موجهة جميعها لإثارة عواطف العنصريين وبائعي الكراهية ، وفي بعض الحالات ، على الأقل ، كانت ناجحة".

لكن حملتها ضد كاش لم تنجح إلا جزئيًا. يقول Streissguth: "كان هناك عدد من الإلغاءات لحفلاته الموسيقية بسبب اعتقال مخدرات أكثر من تلك الاتهامات التي وجهتها الجماعة الانفصالية".

انتهى زواج كاش وفيفيان في عام 1967 ، بعد عام من فقدان الحملة المرهقة زخمها. في نفس العام ، قضت المحكمة العليا الأمريكية بأن قوانين مكافحة الاختلاف غير دستورية في محبة ضد فرجينيا. اليوم ، تغيرت المواقف حول الزواج بين الأعراق بشكل كبير. وفقًا لاستطلاع أجرته مؤسسة غالوب عام 2013 ، فإن 87 في المائة من الأمريكيين يفضلون الزواج بين السود والبيض - مقارنة بـ 4 في المائة فقط في عام 1958.


جوني كاش

سيراجع محررونا ما قدمته ويحددون ما إذا كان ينبغي مراجعة المقالة أم لا.

جوني كاش، بالاسم جي آر كاش، (من مواليد 26 فبراير 1932 ، كينغزلاند ، أركنساس ، الولايات المتحدة - توفي في 12 سبتمبر 2003 ، ناشفيل ، تينيسي) ، المغني وكاتب الأغاني الأمريكي الذي وسع عمله نطاق الموسيقى الريفية والغربية.

تعرَّض كاش منذ الطفولة لموسيقى الريف الجنوبي - الترانيم والقصائد الشعبية وأغاني العمل والرثاء - لكنه تعلم العزف على الجيتار وبدأ في كتابة الأغاني أثناء الخدمة العسكرية في ألمانيا في أوائل الخمسينيات من القرن الماضي. بعد الخدمة العسكرية استقر في ممفيس ، تينيسي ، لمتابعة مهنة موسيقية. بدأ Cash في الأداء مع Tennessee Two (لاحقًا تينيسي ثلاثة) ، وأدى ظهوره في معارض المقاطعات والأحداث المحلية الأخرى إلى إجراء اختبار مع Sam Phillips of Sun Records ، الذي وقع كاش في عام 1955. مثل الأغاني مثل "Cry ، Cry ، Cry ،" جلبت له أفلام "Hey، Porter" و "Folsom Prison Blues" و "I Walk the Line" اهتمامًا كبيرًا ، وبحلول عام 1957 كان Cash أفضل فنان مسجّل في الريف والميدان الغربي. اشتهرت موسيقاه بصوتها الخفيف وتركيزها على الفقراء العاملين والقضايا الاجتماعية والسياسية. أصبح كاش ، الذي كان يرتدي عادة ملابس سوداء ولديه شخصية متمردة ، معروفًا باسم "الرجل ذو الرداء الأسود".

في الستينيات ، بدأت شعبية كاش تتضاءل عندما كان يكافح إدمان المخدرات ، والذي كان يتكرر طوال حياته. بإلحاح من جون كارتر من عائلة كارتر ، التي كان يعمل معها منذ عام 1961 ، سعى في النهاية للحصول على العلاج للزوجين في عام 1968. وبحلول أواخر الستينيات ، عادت حياة كاش إلى مسارها الصحيح ، وسرعان ما اكتشفه جمهور أوسع. كان الحدث المميز في تحول كاش هو الألبوم جوني كاش في سجن فولسوم (1968) ، والتي تم تسجيلها مباشرة أمام جمهور من حوالي 2000 نزيل في سجن فولسوم بكاليفورنيا. اعتبر المسؤولون التنفيذيون في شركة التسجيلات الأداء بمثابة خطوة محفوفة بالمخاطر ، لكنه أثبت أنه فرصة مثالية لكاش لإعادة تأسيس نفسه كواحد من أكثر الفنانين صلةً بموسيقى الريف. استغل نجاح هذا الألبوم ومتابعته ، جوني كاش في سان كوينتين (1969) ، لتركيز الانتباه على الظروف المعيشية للسجناء في السجون الأمريكية ، وأصبح مدافعًا صريحًا عن الإصلاح الجنائي والعدالة الاجتماعية. ظهور مباشر في نيويورك ولندن وبرنامجه التلفزيوني "The Johnny Cash Show" (1969-1971) ، والذي انحرف عن البرنامج المتنوع القياسي من خلال عرض ضيوف مثل Ray Charles و Rod McKuen و Bob Dylan (الذي جنّد Cash لتظهر في ألبومه عام 1969 ، ناشفيل سكاي لاين) ، التي جلبت لعامة الناس أغنياته البسيطة القوية من الخبرات الأساسية.

على الرغم من أن كاش قد أسس نفسه كأسطورة في عالم الموسيقى ، إلا أنه في أواخر الثمانينيات واجه مبيعات قياسية واهتمامات متناقصة. في عام 1994 ، شهد عودة غير متوقعة بعد التوقيع مع ريك روبن للتسجيلات الأمريكية ، والتي اشتهرت بأعمالها المعدنية والراب. أول إصدار كاش على الملصق ، الصوتي التسجيلات الأمريكية، كان نجاحًا نقديًا وشعبيًا ، وقد أكسبه جيلًا جديدًا من المعجبين. وشملت السجلات في وقت لاحق غير مقيد (1996), الأمريكي الثالث: رجل انفرادي (2000), أمريكا الرابعة: الرجل يأتي حولها (2002) ، وبعد وفاته الأمريكية الخامسة: مائة طريق سريع (2006). حصل على العديد من الجوائز ، وفاز بـ 13 جائزة جرامي ، بما في ذلك جائزة الإنجاز مدى الحياة في عام 1999 ، و 9 جوائز جمعية موسيقى الريف. تم انتخاب كاش في قاعة مشاهير موسيقى الريف عام 1980 وفي قاعة مشاهير موسيقى الروك آند رول عام 1992. وفي عام 1996 حصل على وسام مركز كينيدي الشرفية. سيرته الذاتية رجل يرتدي الأسود و السيولة النقدية (كتب مع باتريك كار) ظهر في 1975 و 1997 ، على التوالي. السير على الخط، فيلم يستند إلى حياة كاش ، تم إصداره في عام 2005.


دموع جوني كاش المريرة

بقلم أنتونينو دامبروسيو
تم النشر في 9 تشرين الثاني (نوفمبر) 2009 الساعة 1:07 صباحًا (بتوقيت شرق الولايات المتحدة)

جوني كاش يقوم بجولة في الركبة الجريحة مع أحفاد الذين نجوا من مذبحة عام 1890 في ديسمبر عام 1968.

تشارك

في يوليو 1972 ، جلس الموسيقي جوني كاش أمام الرئيس ريتشارد نيكسون في الغرفة الزرقاء بالبيت الأبيض. مع تجمهر حشد من وسائل الإعلام على بعد أمتار قليلة ، جاء نجم موسيقى الريف لمناقشة إصلاح السجون مع زعيم "الأغلبية الصامتة" في أمريكا الذي نصبه بنفسه. سأل نيكسون كاش "جوني ، هل ترغب في عزف بعض الأغاني لنا". "أنا أحب Merle Haggard 'Okie From Muskogee' و 'Welfare Cadillac' لجاي دريك. '' كان مهندس الاستراتيجية الجنوبية للحزب الجمهوري يطلب تعبيرين مشهورين عن استياء الطبقة العاملة البيضاء.

أجاب كاش: "لا أعرف تلك الأغاني ، لكن لدي القليل من الأغاني الخاصة بي التي يمكنني أن أعزفها لك". كان كاش يرتدي بدلته السوداء المميزة ، وشعره الأسود النفاث أطول قليلاً من المعتاد ، ولف حزام غيتار مارتن الخاص به على كتفه الأيمن وعزف ثلاث أغنيات ، جميعها على يسار أغنية Okie From Muskogee. مع استمرار غرق الأمة في فيتنام ، كان لدى كاش ما هو أكثر بكثير من إصلاح السجون في ذهنه. استمع نيكسون بابتسامة جامدة إلى ترجمة المغني لـ "ما هي الحقيقة؟" و "مان إن بلاك" ("نخسر كل أسبوع مائة شاب رائع") وأغنية احتجاجية شعبية حول محنة الأمريكيين الأصليين تسمى "أغنية إيرا هايز". لقد كانت مواجهة جريئة مع رئيس كان يحظى بشعبية لدى معجبي كاش وكان على وشك الانطلاق نحو انتصار ساحق في إعادة انتخابه ، لكنها كانت لمحة عن كيف رأى كاش نفسه - عدوًا للنفاق وحليفًا للمضطهدين. إنه مغني احتجاج أمريكي ، باختصار ، مثله مثل أسطورة موسيقى الريف.

بعد سنوات ، تم تذكر فيلم "Man in Black" على أنه بيان خاص بالملابس ، و "ما هي الحقيقة؟" كقطعة فترة ، على كل حال. من بين الأغاني الثلاث التي عزفها كاش لنيكسون ، كانت أغنية "أغنية إيرا هايز" هي الأكثر ديمومة والأصدق في رؤيته. استندت الأغنية إلى الحكاية المأساوية لبطل الحرب الهندي بيما الذي تم تخليده في صورة رفع العلم Iwo Jima ، وفي نصب Iwo Jima التذكاري في واشنطن ، لكنه مات بموت وحيد بسبب المزيج السام من الكحول واللامبالاة واللامبالاة. إدمان الكحول. أصبحت الأغنية جزءًا من ألبوم لموسيقى الاحتجاج التي لم ترغب شركة التسجيلات الخاصة به في الترويج لها وأن محطات الراديو لا تريد تشغيلها ، ولكن سيحسب ذلك Cash دائمًا من بين مفضلاته الشخصية.

بدأت قصة كاش و "إيرا هايز" قبل عقد من الاجتماع مع نيكسون. في ليلة 10 مايو 1962 ، ظهر كاش لأول مرة في نيويورك في قاعة كارنيجي. لكن بدلاً من إثارة إعجاب الكوجنوسنتي ، قصف كاش ، الذي بدأ يكافح مع إدمان المخدرات. كان صوته أجشًا ويصعب سماعه ، وغادر المسرح فيما وصفه بـ "الاكتئاب العميق". بعد ذلك ، عزى نفسه من خلال التوجه إلى وسط المدينة مع صديق من أحد الأصدقاء لسماع بعض الموسيقى في Gaslight Caf & # 233 في Greenwich Village.

على خشبة المسرح كان بيتر لا فارج ، مغني موسيقى الاحتجاج ، يؤدي "أغنية إيرا هايز". كان لا فارج ، رعاة البقر السابق ، والكاتب المسرحي ، والممثل ، وعامل المخابرات البحرية ، أيضًا ابن الناشط والروائي الأصليين أوليفر لا فارج ، الذي فاز بجائزة بوليتزر عن قصة حب نافاجو التي كتبها عام 1930 بعنوان "Laughing Boy". كان La Farge الأصغر قد صنع مكانًا مثيرًا للفضول في مشهد الإحياء الشعبي في نيويورك من خلال تكريس نفسه لقضية واحدة. يتذكر بيت سيجر ، "بيت كان يفعل شيئًا مميزًا وهامًا". "كان قلبه مخلصًا جدًا لقضية الأمريكيين الأصليين في وقت لم يكن أحد يتحدث عنه حقًا. أعتقد أنه تعمق أكثر من أي شخص من قبل أو بعد ذلك."

لم يتظاهر كاش أبدًا بأن الموسيقى يمكن أن تظل محصنة ضد المجتمع ، لكنه بذل قصارى جهده "لعدم الاختلاط بالسياسة". بدلا من ذلك تحدث عن الأشياء التي توحدنا مثل كرامة العمل الصادق. قال للكاتب كريستوفر رين في عام 1970: "إذا كنت خبازًا ، وقمت بخبز رغيف خبز وأطعمت شخصًا ما ، فإن حياتك كانت تستحق العناء. وإذا كنت نساجًا ، ونسجت بعض القماش و كان القماش يحافظ على دفء شخص ما ، لقد كانت حياتك جديرة بالاهتمام ".

نشأ كاش في فقر ريفي على هوامش أمريكا ، وتعاطف مع الغرباء مثل المدانين والفقراء والأمريكيين الأصليين. لكن تعريفه بالهنود كان عميقاً بشكل خاص - حتى وهمي. خلال أعماق تعاطيه للمخدرات في أوائل الستينيات ، أقنع نفسه وأخبر الآخرين أنه أمريكي أصلي نفسه ، بدماء شيروكي والموهوك. (سوف يتراجع في وقت لاحق عن هذا الادعاء.)

في Gaslight ، بمجرد أن استمع إلى "إيرا هايز" وألحان لا فارج الاحتجاجية الهندية الأخرى ، بما في ذلك "طالما أن العشب سينمو" و "كاستر" ، كان كاش مدمنًا. " كتب Peter La Farge لاحقًا عن لقاء Cash at the Gaslight. "لقد كان جائعًا للعمق والحقيقة التي سمعها فقط في المجال الشعبي (على الأقل حتى جاء جوني). السر بسيط ، جوني لديه قلب أحد المشغلين في أنقى معانيه. "في الواقع ، كتب كاش قصيدة احتجاجية شعبية هندية خاصة به في عام 1957." كتبت "Old Apache Squaw" ، أوضح كاش لاحقًا لـ Seeger ثم نسيت ما يسمى بأغنية الاحتجاج لفترة. لا يبدو أن أي شخص آخر يتحدث باسم الهندي بأي حجم أو صوت [حتى بيتر لا فارج] ".

استطاع كاش ، مثل كثيرين في الستينيات ، أن يرى أن كل ما هو مؤكد ، جامد وصعب ، كان ينهار. كانت الحركات الاجتماعية تزدهر. لكن الجوقة الأمريكية المدوية التي كانت تغني "We Shall Overcome" و "We Shall Be Free" أغرقت صرخة حركة السكان الأصليين الفضفاضة. بينما كان مارتن لوثر كينج وقادة آخرون يوجهون شعبهم نحو انتصارات تشريعية من شأنها دمجهم بشكل أكبر في مجتمع محرومون منه ، فإن المد الصاعد من نشطاء الشباب الأصليين أراد شيئًا مختلفًا.

يقول جون تروديل الناشط والموسيقي في حركة الهنود الأمريكيين: "في رأيي ، لا يمكن أن يكون لدى السكان الأصليين حركة حقوق مدنية". "كانت قضية الحقوق المدنية بين السود والبيض ولم أراها مطلقًا على أنها قضية حقوق مدنية بالنسبة لنا. لقد كانوا يحاولون خداعنا لقبول الحقوق المدنية ولكن أمريكا تتحمل مسؤولية قانونية للوفاء باتفاقيات قانون المعاهدات هذه. إذا كنت تنظر إلى الحقوق المدنية ، فأنت في الأساس تقول "حسنًا ، عاملنا مثل الطريقة التي تعاملنا بها مع بقية مواطنيك. لا أنظر إلى ذلك على أنه تسلق". بدلاً من متابعة الاندماج في النظام الأمريكي ، أراد النشطاء الأمريكيون الأصليون الحفاظ على قبضتهم المنزلق على السيادة والأرض الصغيرة التي ما زالوا يمتلكونها.

بحلول أوائل الستينيات ، كان المجلس الوطني الهندي للشباب المزدهر (NIYC) يحاول طرح مطالبته الخاصة بحصته المتساوية من العدالة. مع اتساع نطاق انتهاكات معاهدة الصيد وخرق معاهدتين رئيسيتين للأراضي أدت إلى خسارة آلاف الأفدنة من الأراضي القبلية في شمال ولاية نيويورك لصالح منطقتي توسكارورا وأليجاني سينيكا (القصة وراء فيلم "As Long as the Grass Shall" من La Farge Grow ") ، استجابت NIYC ، بقيادة نشطاء من السكان الأصليين مثل Hank Adams ، من خلال تكييف احتجاج الاعتصام. أعيدت تسميتها باسم "الصيد في" ، عارضت NIYC إنكار حقوق المعاهدة من خلال الصيد في تحد لقانون الدولة. أقيمت اجتماعات الأسماك في نيويورك ومنطقة شمال غرب المحيط الهادئ.

نجح تكتيك الصيد في المساعدة في بناء بعض الدعم الشعبي ، لكنه لم يفعل شيئًا يذكر لوقف انتهاكات المعاهدة. بدلاً من ذلك ، كثفت الحكومة الأمريكية جهودها لسحق أي زخم كانت حركة السكان الأصليين تبنيها. في كثير من الأحيان كانت تكتيكاتهم وحشية وعنيفة. يتذكر بيل فرانك جونيور من قبيلة نيسكوالي بولاية واشنطن: "كان هذا وقت سلمى وكان هناك الكثير من الاضطرابات في الأمة". "الكونجرس قام بتمويل بعض برامج إنفاذ القانون الكبيرة وحصلوا على جميع أنواع التدريب والدروع والخوذات لمكافحة الشغب. وحصلوا على قوارب جديدة فاخرة. كان لهؤلاء الرجال ميزانية. كانت هذه حربًا."

بحلول عام 1964 ، جذبت قضية الأمريكيين الأصليين اهتمام أحد المشاهير الآخرين. في 2 آذار (مارس) ، اكتسب المركز الوطني للشباب اهتمامًا وطنيًا حيث انضم الممثل مارلون براندو إلى حفل استقبال في ولاية واشنطن. كان بالفعل مؤيدًا صريحًا لحركة الحقوق المدنية ، فقد ساعد دعم براندو العلني والاعتقال اللاحق لصيد سمك السلمون "بشكل غير قانوني" في نهر بويالوب على تعزيز حركة السكان الأصليين. بدأ انخراط براندو في قضية السكان الأصليين عندما اتصل بدارسي ماكنيكل بعد قراءة كتاب فلاتهيد الهندي "المحيط" ، وهو رواية قوية تصور الحياة المحجوزة في عام 1936. أدت مشاركة براندو في قضايا السكان الأصليين إلى مراقبة الحكومة التي استمرت لعقود. ملف مكتب التحقيقات الفدرالي الخاص به ، المليء بالمذكرات التي توضح بالتفصيل الوسائل الممكنة لإسكات الممثل ، سرعان ما نما إلى أكثر من 100 صفحة.

بعد ثلاثة أيام من إلقاء القبض على براندو في واشنطن ، بدأ كاش في تسجيل أكبر نجاح في حياته المهنية ، وهو "Ring of Fire" ، وبعد الانتهاء من تسجيل ألبوم تجاري للغاية بعنوان "I Walk the Line" ، بدأ بتسجيل آخر ، جدًا ألبوم مختلف. عندما غادر كاش استوديوهات صن متوجهاً إلى كولومبيا في أواخر الخمسينيات من القرن الماضي ، كان يعتقد أن نجمه الصاعد سوف يمنحه رأس المال الإبداعي لإنتاج وتسجيل شيء ما خارج نطاق موسيقى البوب ​​والكانتري السائدة - ألبومات الموسيقى الشعبية وحفلات السجن الحية. كان يتناوب على ألبومات شعبية مثل "Blood Sweat and Tears" ، احتفال بالرجل العامل ، بأقراص تجارية محملة بأغاني فردية جاهزة للراديو. اشترت أغنية "Ring of Fire" ، التي وصلت إلى المرتبة الأولى على قوائم الدول وعبرت إلى البوب ​​، الإذن من كولومبيا لعمل ألبوم لما أسماه "أغاني الاحتجاج الهندية".

في العامين الماضيين منذ أن التقى كاش لأول مرة مع La Farge واستمع إلى "The Ballad of Ira Hayes" ، كان كاش قد ثقف نفسه حول قضايا الأمريكيين الأصليين. يتذكر جوني ويستيرن ، مدير كاش منذ فترة طويلة: "لقد بحث جون حقًا كثيرًا في التاريخ". "لقد بدأت مع إيرا هايز".

كما أوضح كاش ، "انغمست في المصادر الأولية والثانوية ، وانغمست في القصص المأساوية لشيروكي وأباتشي ، من بين أمور أخرى ، حتى أصبحت تقريبًا مثل بيتر. وبحلول الوقت الذي سجلت فيه الألبوم ، حملت ألبومًا ثقيلًا حمولة من الحزن والغضب ".

لكن كاش شعر بعلاقة خاصة مع إيرا هايز. خدم كلا الرجلين في الجيش كوسيلة للهروب من حياة الفقر الريفي المتوق إلى خلق فرص جديدة. بالإضافة إلى ذلك ، كلاهما عانى من مشاكل الإدمان كاش وحبوبه وهايز مع الكحول. قرر أن يرسخ الألبوم بـ "The Ballad of Ira Hayes". وبما أن الأغنية كانت بمثابة شرارة لرؤية كاش ، فقد شعرت أنه يجب عليه معرفة المزيد عن موضوع الأغنية.

اتصلت كاش بوالدة إيرا هايز ثم زارتها وعائلتها في محمية بيما في أريزونا. قبل أن يغادر كاش محمية بيما ، قدمت له والدة هايز هدية ، حجر أسود شفاف ناعم. يسميها بيما "أباتشي المسيل للدموع". تعود جذور الأسطورة وراء الزجاج الأسود البركاني غير الشفاف إلى هجوم سلاح الفرسان الأمريكي الأخير على السكان الأصليين ، والذي وقع على أباتشي في ولاية أريزونا. بعد المذبحة ، رفض الجنود السماح لنساء أباتشي بوضع الموتى على ركائز متينة ، وهو تقليد مقدس من أباتشي. تقول الأسطورة أنه تغلب عليها الحزن الشديد ، ذرفت نساء الأباتشي الدموع لأول مرة على الإطلاق ، وتحولت الدموع التي سقطت على الأرض إلى اللون الأسود. تحرك نقدًا بواسطة الهدية ، صقل الحجر وعلقه على سلسلة ذهبية.

مع تمزق أباتشي حول عنقه ، قطع كاش ألبومه الاحتجاجي. قام بتسجيل خمس من أغاني La Farge ، اثنتان منها ، وواحدة شارك في كتابتها مع جوني هورتون. كانت جميعها ذات طابع أمريكي أصلي. يقول مارشال غرانت ، عازف قيثارة كاش ، "عندما عدنا إلى الاستوديو لتسجيل ما أصبح" Bitter Tears "،" كان بإمكاننا أن نرى أن جون لديه حقًا إحساس خاص بهذا التسجيل وهذه الأغاني. "

ومع ذلك ، فإن أول أغنية منفردة في الألبوم ، "إيرا هايز" ، لم تذهب إلى أي مكان. قليل من محطات الراديو ستشغل الأغنية. هل كانت مدة الأغنية أربع دقائق وسبع ثوان هي المشكلة؟ أحببت المحطات الإذاعية مسارات مدتها ثلاث دقائق. أو ربما أراد فرسان القرص من كاش "الترفيه ، وليس التثقيف" ، كما قال أحد المسؤولين التنفيذيين في كولومبيا.

"أعلم أن الكثير من الأشخاص في جوني كاش لم يكونوا منغمسين في فيلم" Bitter Tears "، ​​كما يوضح ديك وايزمان ، وهو أحد أعضاء فرقة" رواد الرحلات "وصديق La Farge. لقد أرادوا أغنية "Ballad of Teenage Queen" وليس "The Ballad of Ira Hayes". أرادوا "سجن فولسوم". إنهم لا يريدون أغانٍ عن كيفية إساءة الأمريكيين معاملة الهنود ".

لن تقوم المحطات بتشغيل الأغنية ورفضت شركة Columbia Records الترويج لها. وفقًا لجون هاموند ، المنتج الأسطوري والبطل النقدي الذي عمل في كولومبيا ، فإن المديرين التنفيذيين في العلامة التجارية لم يعتقدوا أن لديها إمكانات تجارية. بيلبورد ، المجلة التجارية المتخصصة في صناعة الموسيقى ، لم يراجعها ، على الرغم من أن كاش كان في أوج شهرته ، وحصل للتو على رقم واحد في البلد المنفرد بأغنية "Understand Your Man" وألبوم الدولة رقم 1 مع "I" السير على الخط."

طالب أحد المحررين في إحدى المجلات الموسيقية الريفية كاش بالاستقالة من جمعية موسيقى الريف لأنك "أنت وجماعتك أذكياء جدًا بحيث لا يمكنك الارتباط بأهل الريف العاديين وفناني الريف ودي جي". يتذكر جوني ويسترن ، وهو دي جي ومغني وممثل كان لسنوات عديدة جزءًا من عرض كاش المتنقل ، محادثة مع "دي جي مشهور جدًا وقوي". وفقًا لـ Western ، كان DJ "مرتبطًا بالعديد من جمعيات الموسيقى وغيرها من مجموعات صناعة التسجيلات المؤثرة. كان دائمًا داعمًا بشكل لا يصدق لجون." بدأ الغربي والدي جي مناقشة ألبوم كاش الجديد وأغنية "إيرا هايز" المنفردة. "سألني لماذا سجل جون هذا التسجيل. أخبرته أن جون وجميعنا لدينا شعور رائع تجاه قضية الأمريكيين الهنود. أجاب بأنه شعر أن الموسيقى ، في ذهنه ، كانت غير أمريكية وأنه سيفعل ذلك. لا تقم أبدًا بتشغيل الأسطوانة على الهواء وقد نصح بشدة منسقي الأغاني ومحطات الراديو الأخرى بفعل الشيء نفسه. فقط تجاهلها حتى عاد جون إلى رشده ، هذا ما قاله لي ".

يشرح مارشال جرانت: "عندما تعرض جون للهجوم بسبب" إيرا هايز "ثم" دموع مريرة "،" مزق جسده. وقد أُجبر هايز على الشرب بسبب سوء المعاملة والمعاملة التي تعرض لها البيض الذين استخدموه وتركوه. ، فهذا يعني أن هايز كان يتعرض للتعذيب وهذه هي القصة التي أخبرناها وهي حقيقية ".

عندما لم يحظ فيلم "Bitter Tears" وأغنيته بالاهتمام الذي شعر أنه يستحقه ، أصر كاش على أن يكون له الكلمة الأخيرة. قام بتأليف رسالة إلى صناعة التسجيلات بأكملها ووضعها في Billboard كإعلان على صفحة كاملة في 22 أغسطس 1964.

سألها "دي جي - مديرو المحطات - المالكون ، إلخ" ، "أين أحشائكم؟" وأشار إلى تراثه المفترض نصفه من شيروكي والموهوك وتحدث عن السجل باعتباره حقيقة لا مثيل لها. "هذه الكلمات تعيدنا إلى الحقيقة. أنت على حق! الفتيات المراهقات ومشتري أسطوانات البيتل لا يريدون سماع هذه القصة المحزنة لإيرا هايز. هذه الأغنية ليست لبطل مجهول." انتقد كاش صناعة التسجيلات لجبنها ، "بغض النظر عن الرسوم البيانية التجارية - التصنيف والتصنيف والقيود المفروضة على اللعب الهوائي ، هذه ليست أغنية ريفية ، وليس كما يتم بيعها. إنه سبب جيد على الرغم من [الجشع] [ تشديد كاش] لإعطائه إبهامًا ".

طالب كاش أن تشرح الصناعة مقاومتها لأعزبته. "كان علي أن أقاوم عندما أدركت أن العديد من المحطات تخشى إيرا هايز. سؤال واحد فقط: لماذا." ثم أجاب كاش عنهم. "إيرا هايز دواء قوي. وكذلك روتشستر وهارلم وبرمنغهام وفيتنام."

كما أوضح كاش لاحقًا ، "لقد تحدثت عن رغبتهم في الانغماس في اللامعنى وافتقارهم إلى الرؤية لموسيقانا. كما كان متوقعًا بدرجة كافية ، لقد أبعدني عن الهواء في أماكن أكثر مما أوصلني إليها." لكن في الواقع ، كما أشار كاش في رسالته ، كان "إيرا هايز" يتفوق بالفعل على العديد من الزيارات القطرية. في النهاية ، يعود الفضل جزئيًا إلى الترويج القوي لكاش ، الذي روج شخصيًا للأغنية إلى ديسك الفرسان الذين يعرفهم ، وصلت أغنية "إيرا هايز" إلى المركز الثالث في قوائم الأغاني الفردية ، وبلغت أغنية "Bitter Tears" ذروتها في المرتبة الثانية على مخططات الألبوم.

في وقت لاحق ، بعد فترة طويلة من "Bitter Tears" ، وبعد فوزه في معركته مع المخدرات ، كان كاش يتراجع عن مزاعمه عن أصل هندي. لكنه لم يتراجع عن دعمه لقضية السكان الأصليين. واصل أداء عروض المزايا على الحجوزات - بما في ذلك حجز Sioux في Wounded Knee في عام 1968 ، قبل خمس سنوات من المواجهة المسلحة هناك بين مكتب التحقيقات الفيدرالي والحركة الهندية الأمريكية - للمساعدة في جمع الأموال للمدارس والمستشفيات والموارد الهامة الأخرى نفت من قبل الحكومة. في عام 1980 ، قال كاش لمراسل: "ذهبنا إلى Wounded Knee before Wounded Knee II [مواجهة 1973] لتقديم عرض لجمع الأموال لبناء مدرسة في محمية Rosebud Indian Reservation" وعمل فيلم "Public Broadcasting System يسمى "درب الدموع". "وانضم إلى زملائه الموسيقيين كريس كريستوفرسون وويلي نيلسون وروبي روبرتسون للمطالبة بالإفراج عن زعيم AIM المسجون ليونارد بيلتيير.

منذ أن سجل كاش "The Ballad of Ira Hayes" لأول مرة في عام 1964 ، قام العديد من الموسيقيين بتسجيل نسخهم الخاصة. كريس كريستوفرسون هو أحد هؤلاء الموسيقيين. لخص الروح الكامنة وراء ألبوم احتجاج كاش الذي كاد أن يُنسى الآن في تأبينه لكاش ، الذي توفي في عام 2003. قال كاش ، كان "رعبًا مقدسًا. من بني البشر." قبل أربع سنوات من حفله الشهير في سجن فولسوم ، وقبل أربع سنوات من تشكيل الحركة الهندية الأمريكية ، وفي ذروة نجاحه التجاري ، أصر كاش على إنتاج سجل احتجاج شخصي عميق وغير تجاري كان قريبًا قدر المستطاع. كان دائما يعتز بها. كان كاش يقول قرب نهاية حياته ، بينما كان يتحدث عن الموسيقى الموضعية التي سجلها في الستينيات: "ما زلت فخورًا بشكل خاص بأغنية Bitter Tears". "بصرف النظر عن انتهاء حرب فيتنام ، لا أرى سببًا كبيرًا لتغيير موقفي اليوم. لا يزال كبار السن مهملين ، والفقراء لا يزالون فقراء ، ولا يزال الشباب يموتون قبل أوانهم ، ونحن لا نجعل أي شيء يتحرك لتصحيح الأمور. لا يزال هناك الكثير من الظلام لحمله. "& # 160


حقائق المثلث

تكتب فيفيان أيضًا عن ألم سماع مطالبة يونيو في المقابلات بأنها كانت تربي بنات جوني. كما تدعي أن جون كارتر كانت موردة مخدرات لجوني ، وساهمت في إدمانه وكان أيضًا مدمنًا. حيث من المحتمل أن تكون الحقيقة المطلقة في كل هذه الأكاذيب مدفونة: لقد ماتت جميع الشوكات الثلاثة لمثلث الحب الذي يمكنه التحدث إليه مباشرة - توفي جون كارتر وجوني كاش في عام 2003.

بارك جوني كاش الكتاب وكان من المفترض أن يكتب المقدمة قبل وفاته.

لكن بصمات أصابعه موجودة في كل مكان. في الواقع ، معظم هذه المذكرات غير العادية كتبها الرجل ذو الرداء الأسود - 75 بالمائة من الكتاب المكون من 320 صفحة عبارة عن رسائل حب كتبها إلى فيفيان عندما كان جنديًا في القوات الجوية متمركزًا في ألمانيا من 1951 إلى 1954. التقت في حلبة تزلج على الجليد في مسقط رأسها في سان أنطونيو وانخرطت في زوبعة رومانسية استمرت ثلاثة أسابيع قبل أن يسافر إلى أوروبا.

قالت شاربستين إنها وفيفيان قاموا بغربلة ما يقرب من 10000 صفحة من رسائل الحب التي كتبها كل منهما للآخر بينما كانا منفصلين.

قالت سيلفيا فلاي ، شقيقة فيفيان ، التي قامت بمراجعة بعض الكتابات ، إن لديها سببًا لتضمين الكثير من رسائل الحب.

قال فلاي ، وهو مقيم محلي سابق يعيش الآن في تولاري: "صور الفيلم ، بالإضافة إلى المقالات ، جوني ويونيو على أنهما قصة حب القرن". "أرادت أن تُظهر لهم (هي وجوني) حبًا كبيرًا أيضًا. أرادت أن تُظهر للناس أنها ليست الغول."

على الرغم من أن فيفيان لم تشاهد الفيلم أبدًا ، إلا أنها كانت تدرك ، كما يقول أصدقاؤها ، أنه تم تصويرها بشكل غير مبالٍ ، تقريبًا على أنها زبابة.

أثار قسم خاتمة الكتاب ، الذي كانت فيفيان منفتحة جدًا فيه بشأن المثلث ، دهشة صديقاتها. على الرغم من أن فيفيان أسرت في بعضها ، إلا أنها كانت من النوع الخاص الذي عادة ما يتحدث عن جوني فقط عندما يطرحه الآخرون.

قالت سوزان دن من أوكسنارد: الجزء الأخير كان مفيدًا جدًا بالنسبة لي. قالت هيلين بويد من Ventura إن فيفيان أخبرتها ببعض الأشياء لكنها أضافت: "لم يكن الأمر كراهية أو سمًا أو أي شيء من هذا القبيل. ولم تتحدث بعدائية عن جون كارتر."

أشارت سينثيا بوريل ، الصديقة القديمة ، إلى أن فيفيان لم يكن لديها سهولة في المرور بكل هذا ، كما أن كبحه لفترة طويلة كان صعبًا أيضًا.

قال بوريل ، كاتب مدينة أوجاي السابق ومدير الشؤون المالية الذي لا يزال يعيش هناك: "هذا شيء ظل معها لسنوات". "إنه لأمر مؤلم للغاية أن يقول شخص آخر إنه كان يربي بناتها الأربع ، لقد قامت بتربية هؤلاء البنات. أن يتم التغاضي عنهم نوعًا ما كان مؤلمًا للغاية كان سيؤذي أي شخص. وفي حالتها ، كان الأمر أسوأ لأنه كان عامًا جدًا الشكل."

قالت سيندي كاش إن ذلك يؤذيها. حول هذا الموضوع ، شعرت والدتها بالإحباط و "شعرت بأنها غير مرئية". قالت سيندي إنها أرادت "أن يكون لها صوت أخيرًا".

تزوجت فيفيان وجوني كاش في سان أنطونيو ، تكساس ، مسقط رأسها ، في 7 أغسطس 1954 ، بعد أكثر من شهر بقليل من عودته من القوات الجوية في أوروبا. (الصورة: بإذن من سكريبنر)


قصة الحب الأيقونية لجوني كاش وجون كارتر

من أغنيته رقم 1 "I Walk the Line" في عام 1956 إلى "Folsom Prison Blues" ، عرف الكثيرون جوني كاش وأحبوه على مر السنين. على الرغم من ذلك ، لا يوجد حب يبدو رائعًا مثل الحب الذي كان للمغني / كاتب الأغاني جون كارتر مقابل كاش خلال سنواتهما الطويلة معًا.

كان كل من جوني كاش وجون كارتر من الفنانين المعروفين قبل الاجتماع. كانت كارتر جزءًا من مجموعة والدتها وأختها الموسيقية ، والتي أصبحت في النهاية أخوات كارتر والأم مايبيل. ثم واصلت تأليف موسيقى منفردة وتجولت مع صديقها ونجمها إلفيس بريسلي. كان كاش فنانًا منفردًا ناجحًا في ذلك الوقت.

جوني كاش وجون كارتر كاش

التقى الزوجان الأيقونيان خلف الكواليس في Grand Ole Opry بعد حفلة موسيقية لـ Elvis في عام 1956 ، وفقًا لـ The Boot. Presley had told Carter about Johnny Cash prior, having made her listen to his songs on a jukebox multiple times.

Despite both being married at the time of meeting, Cash was immediately smitten with Carter after introducing himself. Although June did not fall as quickly for Johnny as he did for her, the connection was undeniable. She eventually had to admit the attraction and is quoted in saying, “I think I’m falling in love with Johnny Cash, and this is the most painful thing I’ve ever gone through in my life,” as reported by Groovy History.

Johnny Cash and June Carter

She then described it as being “in a ring of fire,” which inspired the writing of “Ring of Fire,” a song later appearing on both of the artists’ albums.

Cash was unashamed in the fact that he’d been absolutely infatuated with June from the beginning, and knew that although he was married, he and June Carter were meant to be together.

In the first 13 years of their relationship, Cash had attempted to make Carter his wife multiple times, and each time she denied him. Finally in 1968, Cash and Carter were engaged and soon married.

Cash asked the important question at a live show in front of 7,000 fans when Carter finally accepted. Within weeks, on March 1, 1968, the two lovers officially tied the knot. They soon had their first child together, John Carter Cash, in 1970.

Johnny Cash and June Carter performing

As many are aware, Johnny Cash struggled with addiction for much of his life. His addiction got to the point that it was greatly intruding in his everyday life, making relationships difficult and eventually almost killing him.

Loving Johnny so strongly, June did what she could to help her husband and stood by his side through it all.

Cash continued to struggle with addiction, but he was far from ungrateful, stating, “She loves me in spite of everything, in spite of myself. She has saved my life more than once,” as she made him “forget the pain for a long time, many times.”

Not only did the famous duo find obstacles in Johnny’s addiction, but he is said to have had kept up outside affairs throughout their marriage, which was implied in a book written by their son later on after their deaths.

Cash’s infidelity led to a troubled wife. The public was well aware of Johnny Cash’s addictions, but Carter developed a problem with abusing prescription medications, which was also talked about in John Carter Cash’s book, as stated by Reuters. She was constantly paranoid that her husband was not staying faithful.

Many obstacles were placed in front of Johnny and June Carter Cash, but this only proved the love that they claimed to be unconditional and unwavering was real.

Johnny Cash and June Carter had both been married before their own marriage in 1968. Despite this, the two lived out the rest of their lives together, keeping up a both passionate and painful marriage for 35 years.

Carter passed in 2003 from surgery complications. Johnny Cash and their children were at her side. He gave a statement dedicated to his love, June Carter Cash, during his last performance just months before his own death the same year.

Before performing “Ring of Fire,” he explained that he was being overshadowed by the spirit of his late wife, and that she was there “to give [him] courage and inspiration like she always has.” Cash himself passed four months after Carter, also from health complications.

Johnny Cash performing in Bremen, West Germany, in September 1972. Photo by Heinrich Klaffs CC BY-SA 2.0

As one of the most beloved couples in the industry, Johnny Cash and June Carter Cash’s love lives on through their iconic duos and many albums recorded with each other.

The passion that burned between them will always be present in their heartfelt and truthful lyrics written and performed for one another.


How hate groups tried (and failed) to co-opt popular culture

J ohnny Cash was a troubled man, but a sensitive one. His music championed those that society had let down, the outcasts and jailbirds, and extended to them a solemn compassion. And because he laid claim to the outlaw persona in a way that few other artists could, one can almost see why a movement as obsessed with outsiderism as the “alt-right” might place him on a pedestal.

But when Cash’s descendants saw one of the neo-Nazi demonstrators at Charlottesville sporting a T-shirt emblazoned with the musician’s name on the news, they felt his message had been severely misappropriated. Cash’s family stated that they were “sickened by the association” in an emotional open letter that describes the late artist as “a man whose heart beat with the rhythm of love and social justice”. The fascists-in-training that have aligned under the alt-right banner have shown a distinct imperviousness to outside criticism, but getting called “poison” by one of their idol’s representatives must sting a bit more than most.

It’s just the latest instance of a hostile odd angle forming between the hate-fueled political fringe groups edging into the spotlight and the ideologically inconsistent pop culture they claim anyway. As organizations that were once punchlines attract more attention from the media and public, the music and visual media upon which they’ve hung their message has been subject to more scrutiny. And on plenty of occasions, the responsible artists have caught wind and had to publicly swear off association with the burgeoning culture of white-power extremism.

This most recent spike in cognitive dissonance ramped up as Donald Trump muscled his way into the presidential race over the course of 2016. He had a difficult time holding on to a single walk-on anthem for his many campaign rallies, as every time a clip would begin to circulate online, the news would inevitably come out that the band in question had never granted permission for their songs to be used in the first place. The Rolling Stones, Twisted Sister and REM are only a few of the groups that have demanded the Trump campaign cease and desist from playing their music. (REM candidly shot back: “Go fuck yourselves, the lot of you – you sad, attention-grabbing, power-hungry little men. Do not use our music or my voice for your moronic charade of a campaign.”)

But while it’s simple enough to threaten legal action against official political entities, a band can’t control what protesters choose to chant or write on their signs. Matters have grown messier as neo-Nazi groups adopt works of art in less official capacities, placing artists in a tough position that can’t allow for silence. After inflammatory public speaker and frequent punching bag Richard Spencer mentioned that he considered Depeche Mode the “official band” of the alt-right, the group promptly released a contradicting statement and the fanbase raised an accompanying outcry. In one of the more surreal instances of this tut-tutting from on high, horror godhead John Carpenter had to explicitly state that his cult classic They Live should not be interpreted as a commentary on a Jewish conspiracy to control the banks and media.

And yet the trouble persists that for those in search of a pop-culture slate on which to project Zionist paranoia, They Live works pretty well. Alt-right types and their unsavory brethren are drawn to narratives about reorienting perception of reality, regardless of the espoused politics that undergird them. Consider the rich, profound irony that the online anti-feminist subculture known as “the Red Pill” derives their name from The Matrix, a work of art created by two trans women. In its way, this rash of misappropriations acts as the ultimate rebuttal to the notion of authorial intent. The fascists inexplicably glomming onto ‘80s-influenced electronic music referred to as “fashwave” didn’t need Swedish producer Robert Parker’s approval to make him their champion, and his protestations haven’t done much to put them off it.

It wasn’t so long ago that Ayn Rand-memorizing objectivists were twisting the moral content of The Incredibles to suit their dogmatic purposes. The stakes in the present day are significantly higher, however, as this period of great upheaval that has already claimed a body count. Real life no longer allows artists the luxury of neutrality refraining to condemn the white-power groups after they’ve contaminated one of your works sounds a lot like condoning to the public’s ears. Matt Furie, the originator of the memetic cartoon frog “Pepe” that the alt-right has selected as their proud mascot of bigotry, joined forces with the Anti-Defamation League to undo that cultural shift and return the image to its peaceable, hate-free roots.

The elasticity of open interpretation is one of the qualities that makes art art, and yet on occasion, that same right to take-it-as-you-will results in some serious perversions of good intentions. The Nazi resorts to these messy magpie-like tendencies out of necessity the vast majority of history’s great artists have had the good sense to not be Nazis, leaving present-day fascists a small well to draw upon without looking elsewhere. (Naturally, the swastika was nicked from the Buddhists, Hindus and Jains in India, who interpreted it as a symbol of good luck.) But this gives artists the opportunity to turn an incident into a platform to speak out against intolerance while they’ve got the opposition’s ear. Furie’s case illustrates the best-case scenario of something as sickening as learning your creations have been used to spread hate while you had your back turned. It’s a challenge to do more and be better, to capitalize on a reluctant situation and pivot it into activism. As the cinema history books go, Nazi propaganda minister Joseph Goebbels met with German film-maker Fritz Lang to express his fandom and explore the option of employing the director as the Third Reich’s official documenter. Jewish and horrified, Lang promptly fled for America and pushed back the only way he knew how: 1941’s Man Hunt opens with a telescopic sniper sight – and Hitler in the crosshairs.


Johnny Cash quotes about June

This morning, with her, having coffee.

(WHEN ASKED FOR HIS DEFINITION ABOUT PARADISE)

The fire and excitement may be gone now that we don’t go out there and sing anymore, but the ring of fire still burns around you and I, keeping our love hotter than a pepper sprout.

There’s unconditional love there. You hear that phrase a lot, but it’s real with me and her.

She loves me in spite of everything, in spite of myself. She has saved my life more than once. She’s always been there with her love, and it has certainly made me forget the pain for a long time, many times.

You still fascinate and inspire me… You’re the object of my desire, the number one Earthly reason for my existence. I love you very much.

We fell madly in love and we worked together all the time, and when the tour was over we both had to go home to other people. It hurt.

Because you are mine, I walk the line.

The taste of love is sweet when heart like ours meet.

We’re soulmates, friends and lovers, and everything else that makes a happy marriage. Our hearts are attuned to each other, and we’re very close.

When it gets dark and everybody’s gone home and the lights are turned off, it’s just me and her.

She’s the greatest woman I have ever known. Nobody else, except my mother, comes close.


White supremacists attacked Johnny Cash for marrying a ‘Negro’ woman. But was his first wife Black?

On Oct. 4, 1965, country music star Johnny Cash was arrested near the U.S.-Mexico border after buying amphetamines and sedatives from a drug dealer in Juárez and stashing them in his guitar case. His long-suffering first wife, Vivian Liberto Cash, left their daughters in California and journeyed to El Paso to be by his side for the arraignment.

As Vivian stood with Cash in front of the federal courthouse, wrapped in a dark coat, her eyes downcast beneath her bouffant hairdo, a newspaper photographer snapped a picture. In the image, Vivian, whose father was of Sicilian heritage and whose mother was said to be of German and Irish descent, appeared to be Black.

At that time in the eyes of most Americans, you were either Black or you weren’t. Interracial marriage would not become legal nationally until 1967, and it would be considered anathema, particularly in the South, for years to come.

As the image of Johnny and Vivian began appearing in publications across the country, white supremacists went wild.

Leaders of the racist National States’ Rights Party in Alabama ran a story in their newspaper “The Thunderbolt” with the headline: “Arrest Exposes Johnny Cash’s Negro Wife.”

“Money from the sale of [Cash’s] records goes to scum like Johnny Cash to keep them supplied with dope and negro women,” the paper warned. The story also mentioned the couple’s “mongrelized” young children, which included future country star Rosanne Cash and her younger sisters, Kathy, Cindy and Tara. The organization, which was connected to the Ku Klux Klan, then launched a fierce boycott against the famous musician that lasted over a year.

Cash’s handlers quickly launched a counterattack, filing a multimillion-dollar lawsuit and soliciting testimonials from relatives and friends attesting to Vivian’s racial background. They included Vivian’s designation as Caucasian on her marriage certificate and a list of the Whites-only schools she had attended.


'Where Are Your Guts?': Johnny Cash’s Little-Known Fight for Native Americans

In 1964, Johnny Cash released a Native American-themed concept album, “Bitter Tears: Ballads of the American Indian.” In an incredible but little-known story, Cash faced censorship and backlash for speaking out on behalf of native people — and he fought back.

A new documentary airing this month on PBS, “Johnny Cash’s Bitter Tears,” tells the story of the controversy. For the album’s 50th anniversary, it was re-recorded with contributions from musicians including Kris Kristofferson and Emmylou Harris, and the documentary also chronicles the making of the new album.

ACLU Senior Staff Attorney Stephen Pevar, author of “The Rights of Indians and Tribes,” had a chance to ask writer/director Antonino D’Ambrosio about the film.

Why did you feel it was important to make this film, and what were you hoping to accomplish?

First and foremost, the film and the story it tells deals with the movement for civil rights and, even more deeply, human rights. There is a tendency in this country to think that these movements are a thing of the past and, coming out of the 1960s in particular, that they were somehow addressed and resolved with everyone living happily ever after.

في الحقيقة ، العكس هو الصحيح. These movements never cease, and it’s important to be reminded that this is indeed the case. A truly democratic society requires participation and hard work in regard to ensuring that human and civil rights are protected, uplifted, and always expanded. The movement never ends. This is most especially true for native people, who have become entirely invisible even though their issues — treaty rights, sovereignty, etc. — remain continuously under siege.

The current Supreme Court, for example, is no friend of native people and their treaty rights, even though treaty law is one of the five principle areas of U.S. law. They have shown a willingness, and perhaps an eagerness, to take up cases that violate treaty laws in what amounts to illegal land grabs, a tried-and-true historical tactic that I reveal in the film. After all, many thousands of acres of native land — a sovereign country —are seen by some with a singular interest: rich for exploitation of natural resources and ultimately for development.

Additionally, there are a few things I hoped to achieve with this film. I wanted to provide much-needed illumination surrounding the native plight within a historical and cultural context, but I also wanted to bring forward a powerful creative response from the past that very much speaks to our present and future.

Johnny Cash’s decision to place himself squarely in the middle of the fervent social upheavals of the time was not taken lightly. Cash immersed himself in the issues surrounding the native movement using the penetrating songwriting of little-known folksinger Peter La Farge, who was the first singer signed by iconic producer John Hammond to Columbia Records, who would sign Bob Dylan six months later. La Farge’s music spoke directly to the human condition in a way, as musician Bill Miller says in the film, as “being truthful, and powerful, and poetic in a modern world. And Johnny Cash comes in and takes it, and makes it fly, and gave it wings.” It’s a reminder that even though the specific details of our lives may be different, we all share life’s outline. It’s a demand that we all accept our responsibility as citizens of the world and participate in making that world work better for everyone.

What motivated Johnny Cash to make the album?

Since the very beginning of his career in 1954-1955, Cash wanted to make a concept record dedicated to the struggle of native people, which I explore in great detail in my book, “A Heartbeat and a Guitar: Johnny Cash and the Making of Bitter Tears.” His great motivation comes simply from his early life growing up with native people in Arkansas. His family's terrible struggle with poverty and deprivation was abated a bit thanks to the New Deal program of resettlement, which provided the Cash family a plot of land to live on and farm in Dyess Colony Resettlement Area in Mississippi County, Arkansas.

Cash saw the dire contrast to what his family was able to experience and that of the native people around him, who were living in near squalor and destitution — thanks in large part to the failure of the U.S. government to honor treaties. Also, for a long period he aligned himself so closely to native people that he often claimed to be native, which he wasn’t and refuted much later in his life. It really came down to a clear, basic mantra for Cash: If any group of people face injustice and are denied their rights, then there is no freedom or justice for any of us. In the letter, Cash made it clear: “I would sing more of this land but all of God’s children ain’t free.”

What was the extent of the resistance to the album when it was released? Were any stations playing it?

This was 1964. The country was white hot with unrest. The looming presidential election was contentious and filled with often abominable, dangerous rhetoric. For example, Arizona Sen. Barry Goldwater, the Republican candidate, spoke openly of inciting nuclear war when he proclaimed, “Let's lob one into the men's room at the Kremlin.” He also strongly opposed civil rights, asserting, “Extremism in the defense of liberty is no vice. And moderation in the pursuit of justice is no virtue.”

This fraught political environment filled the executive suites at Cash’s label and programming booths of many radio stations with fear. While Columbia honored the contract to ship a minimal amount of records for sale, they undertook a type of “soft censorship” where they did no promotion and just ignored its existence. And of course, many radio stations just refused to play it. When Cash learned of all the opposition, he made it his mission to get the record out there. He bought back thousands of copies of the record, penned a protest letter that he placed as an ad in “Billboard” magazine, stuffed the letter inside each record, and traveled around the country hand delivering the record to radio stations and asking them to give it a chance. A line from the opening paragraph from the letter says it all: “DJs, station managers, owners, etc., where are your guts?”

Photo credit: From Antonino D’Ambrosio’s film, Johnny Cash’s Bitter Tears

What was behind the record companys actions? Did they or the radio station owners ever explain themselves?

Columbia Records just wanted the hits to keep coming. In 1963, Cash had massive hits with “I Walk the Line” and “Ring of Fire.” They saw Cash’s attempts at concept records as money losers, even vainglorious indulgences even though the label promised Cash that when he joined Columbia that he could explore the ambitious recordings he was blocked from producing while at Sun Records. It was this promise that allowed them to sign him in the first place. And along the way, Cash pioneered concept records years before The Beatles got the credit. As musician Steve Earle explains in the film, “I never didn’t know who Johnny Cash was, but I didn’t realize until I was grown that Johnny Cash was making concept albums like 15 years before The Beatles ever thought about it.”

After the massive hits of 1963, the label could no longer stall Cash’s efforts to finally record a native concept record comprised entirely of folk protest songs. This was essentially a decade in the making for Cash, and he poured all of himself into it, explaining: “I dove into primary and secondary sources, immersing myself in the tragic stories of the Cherokee and the Apache, among others, until I was almost as raw as Peter. By the time I actually recorded the album I carried a heavy load of sadness and outrage.”

And that outrage only grew when he learned that radio stations across the country refused to play the record. Again, this was the height of the civil rights movement and many in the record industry, particularly in the South and Midwest, couldn’t accept Cash adding his voice to the protest. Some felt he was co-opted by the Northeast liberal intelligentsia, others by the left-leaning folk movement, and others just didn’t like the music and its theme of native issues, a people they deemed to be lower than Black people.

To what extent was Johnny Cash's career hurt by the album?

It was mixed. On a personal level, he was bitterly disappointed by the opposition to the record. It’s one of the reasons that he always played a few of the songs from the record at every concert the rest of his life. It was Cash’s ongoing protest. On a creative level, the label made it very difficult for him to ever undertake a record of this kind again — even though he broke out with his live album “At Folsom Prison” four years later in 1968, which was the year that the American Indian Movement was born. But it was not an entire record held together by a theme and a narrative, with every song dedicated to a specific social justice issue. Essentially, “Bitter Tears” would be the last record of that kind Cash would ever do. Yet, this record revealed the true courage of an artist thinking out loud and telling painfully real stories that paved the way for Cash to do other protest songs such as “Man in Black” years later.

Cash refused to endure what he deemed as a cowardly censoring and suppressing of his work. في لوحة ad, he referenced the single from the album, a folk ballad written about the native U.S. marine Ira Hayes immortalized in the Iwo Jima flag-raising photograph. Cash wrote, “‘Ballad of Ira Hayes’ IS strong medicine. So is Rochester — Harlem — Birmingham and Vietnam. I had to fight back.” He saw it as one movement: human rights. Rosanne Cash told me this was a lesson. It still is.

Photo credit: Sony Masterworks

How would you compare the reception of the re-recording with the release of the original?

The reception for the re-recording, “Look Again to the Wind: Johnny Cash’s Bitter Tears Revisited,” was also mixed. Recently, Sony Masterworks’ Chuck Mitchell and I half-jokingly discussed that in some ways this new record suffered the same fate as the original, which is another reason that the reception of the film at festivals around the world and now by PBS has been so inspiring. In any creative endeavor, particularly one that is a creative response, there is always a chorus that wants to drown out the voices of those whose suffering has been buried to maintain the illusion that what was done to get here was noble and honorable. But we, as one people, are imbued with everything that has come before — that is our history. Those ghosts don’t remain in the past but rattle around us in the present waiting for someone to listen and to unleash their spirit so they can finally be heard. Many people, including those in indigenous communities here and abroad, have expressed that this project in some way heals and gives peace but also rouses action. And that has been quite humbling.

This album was released in 1964, when the civil rights movement for Black people was occurring. Many people might say that Black people have achieved more progress from their efforts than Native Americans have from theirs. Do you think this would be a good subject to explore in the future?

نعم فعلا. This film is the first in a series exploring these issues. And this particular historical moment seems to demand it with so much underway with regard to revising and erasing uncomfortable historical truths. I continue to work with many of the native artists, thinkers, advocates involved in the film and book and beyond to craft that next film and further amplify what remains muted.

The film ends by asking, “Why?” What do you think the answer is to that question?

Whenever you pull back the curtain on the spit-polished version of American history and reveal the bodies, the butchery, the spilled blood that led us here, there is always a backlash because power is built upon using and then crushing the dispossessed and marginalized, the groups first stomped on to attain power. We can see the insidiousness of this ideology all around us today in our politics and our culture. So for me, and I think many of the artists involved in this book, record, and film, it’s less about answering the question, “Why?”, and more about asking the uncomfortable, difficult questions not permitted to be asked: “Why not?” To deny history — our real history — prevents democracy from taking root and flourishing.

Photo credit: From Antonino D’Ambrosio’s film, Johnny Cash’s Bitter Tears

There were nearly 400 Indian treaties, and nearly all of them were broken the way the Seneca Treaty was broken. Why did you happen to select that one?

In the history of this country, there is perhaps no more egregious, flagrant, and wanton abuse of law than that of treaty law by the U.S. government. And it was important for me that treaty law was explained. Both in how it was grossly violated and how it served as the heart of the native movement by distinguishing it from the civil rights movement.

In one of the most impactful and thoughtful interviews I conducted for my book, the late musician and American Indian Movement activist John Trudell explains:

“In my mind, the Indians could never have a civil rights movement. The civil rights issue was between the Blacks and the whites, our issue was around law. It was legal. There are five kinds of law in America: common law criminal law constitutional law statute law and treaty law. That’s important to note — treaty law is one of the five principal laws in America. The agreements that the United States made with the tribes were legal agreements. So our movement was based around treaty law and making sure these were upheld and not broken. This isn’t about morals and ethics — I mean, of course it is to a degree — but the United States has a legal responsibility to us. So in the end this is about the law.”

The Seneca Treaty is one of this country’s oldest treaties. I selected it because, as a subject for La Farge’s songwriting and Cash’s imaginative interpretation, it serves as a devastating metaphor for all treaty violations. In the late 1950s and early 1960s, grand public works projects were very popular — many of them were unnecessary boondoggles including the building of the Kinzua Dam on Seneca land in upstate New York. This was also a time where the terrible policy of termination was beginning to be used as a political weapon to undermine native sovereignty. Many engineers, land use experts, and esteemed journalists provided mountains of evidence that this dam was not only unwarranted but also a human rights and environmental catastrophe. New York Times theater critic Brooks Atkinson, outraged by the patent land-grab, used his “Critic-at-Large” column to bring attention to the tyranny the Seneca faced. “For the moral question is one no one dares face: Is the Kinzua Dam right or wrong? It is wrong,” Atkinson wrote.

The song that chronicles all of this in the film is called “As Long As the Grass Shall Grow.” The title reveals everything, as it takes the language directly from the treaty: “as long as the grass shall grow and the waters flow…as long as the sun rises and sets” this treaty would stand, respected and protected, forever. It did not. Again, Trudell puts a fine point on it when he told me movingly: “If you’re a nation of laws, then you have to respect this. And if you don’t respect these treaties, then we get that you’re not really a nation of laws. It’s all about the rule, and if you don’t adhere to that then it’s all bullshit.”


The Airman in Black — when Johnny Cash was stationed in Germany

LANDSBERG, Germany — Many famous musicians have served in the armed forces, but it’s unlikely that any assignment to Europe influenced the history of rock ’n’ roll and country music as much as when Johnny Cash learned to play the guitar here.

At 19, Cash volunteered to join the Air Force during the Korean War. He left his native Arkansas for Texas to begin training, then spent most of his time in service stationed in Landsberg am Lech, in southern Bavaria, working as a Morse code interceptor.

The base at Landsberg, Germany, was the scene of heavy U.S. military activity in the decade following Word War II and was maintained into the 1980s. It is now a German air force base.

In 1951, unable to travel, away from friends and family and with only one phone call home allowed per year, the young Cash felt lonely and isolated from the world when he arrived in Landsberg, he would later say.

On the third day, when Cash saw the documentary “Inside Folsom Prison” at the base theater, the film had a big impact on him and the music world. Afterward, he wrote the hit song “Folsom Prison Blues,” according to letters he sent back to his first wife, Vivian Liberto.

“He (Johnny Cash) was here against his will, with no friends, not able to leave. So when he saw this film, it struck him that ‘they are like me. We are all prisoners here,’ and it left an impression on him that stuck with him his whole life,” base historian Herbert Wintersohl said. “It was a very influential period of his life.”

As a radio interceptor, Cash worked in shifts and had a lot of time with not much to do, Wintersohl said. Thankfully for music, Cash bought a guitar in a local store off base and began learning to play. Cash eventually started his first band on base, called the “Landsberg Barbarians,” a play on the name of the base newspaper, the “Landsberg Bavarian.”

He played at events that would routinely pack the local officer club, Wintersohl said.

During his three years in Germany, Cash worked on many songs that would later become famous. He also met an airman who referred to his service-issued footwear as “blue suede shoes.” He suggested while on tour in 1955 with Carl Perkins and Elvis Presley that the description would make a good song.

When he was done with his Air Force tour in 1954, Cash returned to the United States and began the career that would have a lasting effect on both rock ’n’ roll and country music.

“Although he was only here (in Germany) for three years, it had a huge impact on who he became and, of course, the music that he became famous for,” Wintersohl said.


شاهد الفيديو: اغنية روعه من فيلم walk the line جوني كاش.